Florence + The Machine invoque les fantômes du corps dans «Everybody Scream»

Sur son sixième album studio, la Britannique Florence Welch pousse à l'extrême la mythologie qui a inspiré toute sa carrière. Il ne suffit plus d'invoquer des déesses païennes ou de danser parmi les ruines : cette fois, elle fait de son propre corps le champ d'un combat rituel entre la vie et la mort, entre la chair et l'esprit. Le résultat est «Everybody Scream», un album sombre et puissant, chanté avec les tripes et construit à partir d'un traumatisme.

L'album est né d'un épisode réel et brutal : une opération d'urgence après un avortement spontané que la chanteuse londonienne a subi alors qu'elle se produisait dans un festival, et qui a failli lui coûter la vie. Ce n'est pas un hasard si la sortie de l'album tombe le même jour qu'Halloween, tout comme les nombreuses références à des films d'horreur comme « Carrie », « The Devil's Seed » ou « Suspiria ». À partir de cette expérience terrifiante, Florence Welch construit un univers « d'horreur corporelle », de fureur, de douleur et de deuil, de lumière et de rédemption. Tout à la fois. Il ne s’agit pas de chercher des réponses, il ne s’agit pas de donner à la douleur un pouvoir transformateur. Il s'agit d'explorer les conséquences dévastatrices de ce traumatisme et les sentiments contradictoires qui accompagnent le fait d'être une artiste à succès et, en même temps, une femme dont la maternité a « échoué ». « J'ai creusé un trou dans le jardin et j'ai enterré un cri / De là a poussé un arbre rouge vif / luisant de ses feuilles pointues / Quand le vent souffle / tu peux encore m'entendre crier », chante-t-il sur « You Can Have It All », résumant l'esprit de l'album.

Un coven de liberté

Dans des chansons comme « Music by Men » ou « One For The Greats », Florence jette un sort de désobéissance, dénonçant le regard masculin qui, pendant des années, a fait d'elle une muse ou une figure mystique, mais rarement une auteure totale. Et au lieu de le faire seule, elle convoque d'autres sorcières contemporaines : le chanteur Mitski, sensible et retenu, et Mark Bowen, guitariste d'IDLES, avec sa fureur punk. Une tension stylistique qui fonctionne ici comme une montre suisse.

En fin de compte, «Everybody Scream» ne demande pas de compréhension, mais d'abandon. C'est l'heure des sorcières. Patri Di Filippo

Autres albums de la semaine

Peut-être un peu imprégné de l'intimité naturaliste de sa dernière alliance avec McEnroe, Ramón Rodríguez s'installe dans le paysage des « tempos » de ce répertoire, à haute puissance magnétique. Au-delà de l'élaboration raffinée des textures, chaque chanson se suffit à elle-même lorsqu'il s'agit de transformer des matières lyriques sinistres (le passage du temps, les sentiers escarpés du quotidien) en émotion et climax serein, en une effervescence vitale captivante de tons ocres. Jordi Bianciotto

Ils reviennent après huit ans de silence et, quoi qu’en dise le titre, tout n’est pas pareil. Ils ont changé l'anglais pour l'espagnol, une matière exigeante qu'ils réussissent avec brio dans des lettres qui n'ont pas honte d'être en colère, d'avoir le mal du pays ou d'avoir peur. Ils conservent cependant la capacité de composer des chansons instantanées qui distribuent du miel et de la cire à parts égales et dont la façade colorée et quelque peu échevelée cache une architecture pop bien plus élaborée qu'il n'y paraît au premier abord. Rafael Tapounet

Ce que la chanteuse et guitariste de Bilbao dit voir dans ce visage étranger, c'est l'amour, un sentiment qui baigne tout le recueil de chansons à travers son architecture très subtile, sa voix expressive, même sans monter le ton, et ses arpèges impressionnistes, où l'on sent le contact des doigts sur le manche, et avec très peu d'additifs (comme la voix 'off' de Gloria Fuertes). Un troisième album puissant de part sa nudité spartiate, qui ouvre des espaces sensoriels dans lesquels se perdre à volonté. J.B.

Le « big band » du saxophoniste Lluc Casares marche avec légèreté, comme s'il planait. Il y a une joie qui imprègne tout. Les arrangements du saxophoniste sont agiles, plus de traits fins que de larges coups de pinceau, les solos coulent. Et bien que dans son premier album en tant que leader en grand format, Casares respecte scrupuleusement le canon, 'Big Band vol. 1' a quelque chose d'audacieux : il y a des œuvres de Coltrane (« Naima ») et de Monk (« Off Minor ») devenues des classiques en petit format et que Casares repense en grand, ainsi que ses propres compositions accrocheuses. Il y a du goût et du niveau ici. Roger Rocher

Abonnez-vous pour continuer la lecture